Entrevista a Adrián Caetano
Por Eduardo D. Benítez
Con un film que bordea el cuento de hadas, acerca de una familia que se hace cargo de su condición social, Caetano vuelve y dice Presente con mayúsculas, igual que lo hacen sus personajes.
El director que supo revitalizar el cine argentino después de décadas allá a fines de los noventa –con Pizza Birra Faso, Bolivia, etc- está de vuelta. Después de tres años sin realizar cine, Adrian Caetano nos hace tropezar con una imposibilidad: nunca conocerás Francia. De ese imposible –el de conocer el país que da título al film- brota la fuerza afectiva de una película que es un canto sobre las determinaciones económicas que sufren las relaciones humanas en una sociedad no muy justa.
Los padres de Mariana están separados desde que ella tuvo un año. Pero por falta de trabajo, la familia se tiene que rearmar y Mamá, Papá e hija tendrán que compartir el mismo techo. Francia describe a una familia tal vez distópica que hace lo que puede para reconstruirse, describe también el camino que hacen sus integrantes para construir un adentro que los proteja, donde cobijarse.
Protagonizada por Natalia Oreiro, Lautaro Delgado y Milagros Caetano (la propia hija del director), Francia pone de relieve al Caetano más genuino. Aquel que sabe parar la pelota, contemplar el mundo del cine con altura, salir con los tapones de punta y, ahora sí, con la cancha totalmente inclinada a su favor organizar el caos y hacer uno de sus films más bellos, y sobre todo uno de los más sinceros de su carrera.
-¿De dónde nace el proyecto de Francia? ¿Cuánto se nutre de tu propia historia?
-Es una experiencia propia a medias. Nace de una idea muy pequeña sobre unos vecinos que conocí hace mucho tiempo. Estos vecinos estaban separados y el tipo tenía que volver a vivir con ella por cuestiones económicas y hasta ahí supe de esa historia. Ese génesis ya me parecía interesante para hacer una película.
-¿Y la idea de buscar un elenco más experimentado en tv que en cine de dónde viene?
-Después de Crónica de una fuga yo no hice nada para cine. Yo no quería que pasara lo mismo que con Un oso rojo: que un proyecto propio en manos de un productor que no sos vos, te haga convertir en empleado de tu propia empresa/ emprendimiento. Si para que las cosas salgan bien uno tiene que dejar mucha vida, a esta altura prefiero descansar y hacer películas como Francia. Yo tuve entrevistas con varias actrices y Natalia (Oreiro) era una de ellas, en un proyecto sobre Gilda que no resultó. Yo veía que los proyectos no salían y tenía un par de proyectos en la manga. Tenía cierta urgencia por filmar también, porque es un embole estar parado. Lo que más me importaba era tener el guión, después empecé a hacer el diseño de producción y después salí a buscar lo más importante. Primero prefiero tener lo básico y después salir a buscar lo más importante. Ahí aparece Natalia que dice que si y yo ya había hablado con Lautaro Delgado, después la ubiqué a Mónica Ayos por medio de mi amigo José María Muscari. Cuando no tenés productor obtenés la ayuda de los que te rodean, de tus amigos. Fui armando todo de manera muy personal, iba yo mismo y explicaba las reales condiciones de trabajo, lo que podía ofrecer y nada más.
-¿Y la decisión de trabajar con tu hija?
-Esa fue la última decisión. Ni yo estaba muy convencido de laburar con ella. Ella tiene un carácter muy fuerte y estaba en la pre adolescencia. Me acuerdo que un día vino a casa Lautaro Delgado y se pusieron a ensayar mientras yo lavaba el patio, surgió de una forma bastante natural. Ahí empecé a tener un poco más de confianza. Pero básicamente el primer día de rodaje fue el casting para ella.
-¿Encarás relajado el trabajo con los actores?
-Tengo una manera muy particular de dirigir a los actores. Trato de no romperles las bolas, no estarles todo el tiempo encima. Doy libertad para que el actor se sienta cómodo con lo que está haciendo. Creo que ahí radica cierto naturalismo que no es ni tirarlos a la marchanta ni andar marcándolos punto a punto. Yo tenía que manejar eso con Milagros que era como una cuestión casi de padre. Cómo darle libertad a un niño y a la vez que reconozca cuáles eran sus límites.
-Tratando que no intervinieran cosas personales, de su relación cotidiana…
- En realidad siempre intervienen cosas personales, lo que no hubiera querido es que aparecieran cosas feas. De hecho a mi me sirvió para darme cuenta que no teníamos nada feo en nuestra relación. Me puso muy contento haberme dado cuenta que había aprendido algo de ella que tiene que ver con algo que yo vengo aprendiendo de generación en generación y es el hecho de que tiene un respeto increíble por el trabajo propio y ajeno. Y hay actores que no tienen respeto por nadie.
-El respeto por el trabajo es algo que tienen los personajes de la película ¿no?
-Sí, no son los pibes que se tiran a tomar cerveza abajo del obelisco (risas). Estamos hablando de gente que tiene que mantener a su familia y tiene que bancarse a patrones que no tienen ningún respeto por el trabajo.
-En términos de producción Francia está más cerca de tus primeras películas, pienso en Bolivia.
-Sí, y en términos de organización también. Acá si bien trabajé con gente que me ayudó en dirección, yo nunca tuve un asistente de dirección hecho y derecho. En Bolivia tampoco. Tenía que pensar una película que pudiera contener yo mismo con los actores. Eso posibilitó que en el equipo hubieran roles pero no jerarquías.
-¿Crees que hay rasgos -tanto en lo formal como en lo temático- que se mantienen a lo largo de tu filmografía?
- SI, Francia tiene un poco de todo. Todo el tema de la relación padre-hija está muy vinculado a Un oso rojo. Con esta película saldé la deuda de retratar una relación más tierna entre padre e hija. En lo formal hay una manera de no acercarse al realismo que tiene mucho que ver con –aunque parezca disparatado- Cuesta abajo (N. de R.: corto incluido en Historias Breves) y hasta Tumberos te diría.
- SI, de hecho en Francia te permitís más exploración: con sus textos sobreimpresos, pantallas divididas, el uso de la imagen por celular, los ringtones…
- Si, en realidad yo diría que hay más libertad. Uno suele pensar que el escaso presupuesto acota tu libertad, pero en un punto te insta a desarrollar más la imaginación. La imaginación casi siempre se ve obligada a funcionar cuando se nota que hay necesidad; y el talento aparece cuando uno tiene que cumplir un determinado trabajo. Por eso yo siempre pienso que los empleados tienen talento y los desempleados tienen que tener imaginación (risas). Cuando ponés la imaginación a funcionar tenés una libertad enorme; en cambio el talento siempre está condicionado, tenés que pensar en rigor de ciertas normas y patrones preconcebidos. La película tiene eso, no está acotada: no le importa nada. Si hay que cortar, si hay que meter una canción como Gloria o música electrónica…
- La música le da un color a la película…por momentos muy alegre…
-Sí, Francia es casi una película pop hecha por un niño. Haciéndola, salió mi parte más infantil a divertirse. La película tampoco le tiene miedo al humor, más bien todo lo contrario. Tiene todos esos recursos que le dan ese color porque no tiene que rendirle cuentas a nadie.
-Para los personajes Francia es un imposible, a pesar de esto la película tiene una mirada muy esperanzadora…
- Si yo hubiera puesto el drama social por encima de esa historia familiar, no hubieran estado presentes esos personajes con las características que tienen. En Bolivia, Pizza Birra Faso, Un oso rojo se habló incluso del nuevo cine que contaba la realidad del neoliberalismo menemista, pero en realidad siempre me interesó más focalizarme en los personajes. Eso transforma a Francia en una película más intimista.
-Pero por otro lado Francia parece más política que tus anteriores películas…
- Si, absolutamente. Está muy presente eso: el tema del desempleo, el tema de esa burguesía caritativa e insoportable que cobra 25 lucas por mes para ayudar a los wichis, el tema de los problemas en las escuelas, el empleado de portería que le custodia la plata a los ricos.
Entrevista publicada originalmente en HC de Junio 2010
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